Zaha Hadid: Estudio de sus diseños y arquitecturas

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Zaha Hadid ha sido considerada una de las diseñadoras mas creativas por parte de los críticos, aunque mucho de sus proyectos no pueden verse estructurados por la complejidad de sus formas. Ahora con 49 anos, esta nativa de Iraq tiene en construcción siete edificios, triplicando así la cantidad de edificios construidos a lo largo de su carrera. Ella favorece las estructuras bajas, que fluyen, apareciendo a menudo un estilo similar al de la escritura árabe, evitando la tradición masculina de rascacielos y otro tipo de representaciones. En hecho, muchas de las dificultades que se le presentaron para crear un estilo propio se debieron al fuerte rechazo que hay dentro de la industria, hacia el desarrollo de la mujer dentro de este tipo de profesiones; aunque Hadid decía que aunque exista una carencia de modelos femeninos ella no estaría conforme con los precedentes que la envolviesen. Como resultado de esto Hadid explora diversos campos de la media, incluyendo pintura, artes graficas, modelos tridimensionales y diseño por computadora.

Ha acrecentado su fama cada vez mas como diseñadora de un estilo innovador hasta explorar una gran variedad de comisiones que van desde los museos hasta una terminal para un trasbordador. Las estructuras no se mantienen por si solas sino que necesitan un propósito que las ayude. El modelo de su estilo contemporáneo se centra en Cincinnati, Ohio en el que se generan áreas interesantes para la visión y no paredes de bloques que producen líneas rectas.

A Hadid le encantaría que su proyectos futuros se desarrollasen en Gran Bretaña, o mas específicamente en Londres, una ciudad que la cataloga como conservadora pero que se preocupa muy poco por las tradiciones que la corrompen. Ella espera que el país que le abrió las puertas este interesado en sus trabajos siguientes.

Biografía

Zaha Hadid nació en Bagdad, Iraq en 1950. Dentro de un ambiente liberal, su familia le permitió explorar nuevos caminos descubriendo nuevas cosas y creando un pensamiento critico. Su padre, desempeño un papel importante en su desarrollo creativo, ya que la expuso a diversas culturas mientras que siempre mencionaba la importancia de su herencia.

La educación elemental de Hadid se dio entre Inglaterra y Suiza, exponiéndola así a diversas culturas. Atendió a una escuela con muchachas cristianas, judías, musulmanas e islámicas. Esta es la primera indicación de la marginalidad en su vida. Ella se sentía distanciada de su herencia musulmana en la escuela debido a su estilo educativo cristiano.

Esta disensión entre las influencias árabes y occidentales ocurrió de nuevo mientras que ella desarrollo su estilo arquitectónico. Hadid primero llego a estar interesada en la configuración de la edad once, aunque persiguió otros intereses antes de atender a la escuela de la arquitectura.

Antes de aspirar a una educación que demandase mas de su creatividad, Hadid estudio y recibió su titulo en matemáticas en la Universidad Americana de Beirut en 1968. El campo de las matemáticas modernas y del lazo entre la filosofía, la física y la matemática la intereso abreviadamente antes del estudio de la arquitectura. La Escuela de Arquitectura en Londres produjo algunos de los diseñadores mas destacados de esta profesión. La educación se enmarcaba con un estilo propio enfatizando en programas, materiales y estructuras sociales innovadoras. La disposición de la escuela incluye a un grupo de profesores particulares que desarrollan lazos cercanos con sus estudiantes. Es aquí donde Zaha Hadid empieza a desenvolverse dentro de un ambiente de arquitectura entre los años 1972 y 1977, donde se graduó con honores. Después de completar sus estudios, Zaha se unió a la OMA (La Oficina de Arquitectura Moderna), donde trabajo con uno de sus principales tutores, Rem Koolhaus.

Empieza sus trabajos independientes en 1979 con el diseño de un apartamento en Eaton, Londres. A este trabajo se le reconoció con la medalla de oro dentro de la arquitectura de 1982. Otros de sus destacados proyectos incluyen diseños de muebles de interiores y el diseño de varios edificios en Japón.

En sus trabajos se destacan desde muy temprano líneas que enmarcan el constructivismo ruso. Este acercamiento de Hadid hacia la arquitectura se debió a un profundo estudio que desarrollo hacia las pinturas rusas durante la revolución de Bolshevik. La supremacía rusa concibe espacios enigmáticos con formas abstractas que poseen dinamismo y fuerza. Este concepto es el aplicado por Zaha, creando así formas tridimensionales que nacen de las bases de los conceptos rusos. Sin embargo, son en los trabajos recientes de Hadid donde emerge el desarrollo de un estilo personal.

Uno de los grandes reconocimientos que se le han hecho a esta gran arquitecta fue en 1983 cuando gano el primer lugar para el diseño del Club Máximo de Hong Kong. El proyecto consistía en diseñar las áreas de deportes de varios niveles. Su diseño consistió en un rascacielos horizontal. El proyecto nunca fue construido debido a razones logísticas con la vuelta de Hong Kong a China. Este acontecimiento retrato una imagen de Hadid como arquitecto de papel.

El trabajo de Zaha Hadid se ha mostrado a nivel internacional, destacando claramente un estilo personal que la lleva a desarrollar proyectos majestuosos como lo son las exposiciones del Museo Guggenheim, New York (1978), Ga Gallery, Tokio (1985), el Museo de Arte Moderno en New York (1988), entre otros. El trabajo de Hadid forma parte de la colección permanente de varias instituciones tales como el Museo de Arte Moderno en New York, y el Museo de Deutsches en Francfort.

Sus pinturas son mal entendidas en gran parte por la gente que piensan que deben ser tomadas literalmente. No representan una representación, sino un concepto de un volumen o el espacio. También, Hadid utiliza color pues un método de resolver los esquemas que se encienden, que mucha gente asume, será los colores aplicados a la superficie o a los suelos de la pared. Las pinturas se asemejan a collages en los storyboards y las perspectivas.

Actualmente esta famosa arquitecta trabaja en Londres.

A continuación, describiremos algunos de sus más importantes proyectos y una exhibición de muebles.

El pico

El primer proyecto importante de Zaha Hadid fue en 1983 cuando participó en la competencia por diseñar los un club deportivo de varios niveles en Hong Kong. El diseño consistió en elementos estructurales tales como losas, vigas y paredes transformados en objetos livianos que aparentan levantarse fuera del Pico de Victoria. Estos gráficos expresan una nueva ideología en la que la proporción se mira como presencia suprema ante la elemento planteado del edificio. El pico nunca fue construido, pero el dinero premiado permitió a Hadid abrir su oficina de Londres.

El estilo de representar tales ideas arquitectónicas es un área que Hadid ha ramificado de la distribución tradicional. Sus pinturas son mal entendidas por la gente porque piensan que deben ser analizadas exactamente como se observan. No simbolizan una representación, sino un concepto de un volumen o espacio. El color también se utiliza, ya que es un método de solucionar esquemas utilizados. Mucha gente asume serán los colores aplicados a las superficies o suelos de la pared, pero no es así. Las pinturas se asemejan a collages y las perspectivas a varios elementos mezclados entre si para representar los volúmenes que más destacan en el proyecto.

Lo anteriormente señalado, convierte a esta arquitecta como la mejor futurista en pinturas futuristas y gráficos creados durante la fase de diseño. Hadid desafía la proporción tradicional utilizando la representación visual más que los medios verbales a través de pinturas grandes, que dan como resultado modelos del proyectos y gráficos, donde la gravedad aparenta tener nuevas pautas. Hadid explica: ” Mi trabajo tiene que ser explorado en tres dimensiones, ya que los estudios de la elevación llegan a ser más volumétricos y se convierten en paisajes de una manera apacible. ”

Un análisis critico de la propuesta

Este proyecto fue una Reforma propuesta por la arquitecta de acuerdo a las necesidades del mismo. El campus son el trabajo de Mies van der Rohe, el entre de 1938 y 1958. Muchos otros los edificios fueron diseñados por sus estudiantes y discípulos de Mies. El Instituto es uno de los campus mejor organizados y atractivos de América, por lo que atrae a muchos de visitantes cada año.

Los principales puntos del nuevo plan maestro son:

- Crear una imagen identificable

- Hacer el campus más cohesivo y convival

- Darle al campus un punto físico total

- Interacción entre estudiantes, facultad y el personal

- Crear una variedad de mejoras, cubierta atractiva - refuerza y desarrolla la visión tecnológica del campus.

Los objetivos dominantes para el centro del campus son:

- Interacción entre todos los segmentos de la comunidad de la universidad como el nexo de los pasillos académicos y residenciales del campus

- Localizar los programas de servicio centrales y convenientes

- Proporcione espacios flexibles de multiusos

- Utilizar y aprovechar tecnología innovadora

- Dar legado de icono arquitectónico para el futuro

La Propuesta de Hadid

Relación del espacio en armazón.

El laboratorio relación del espacio es un programa de investigación que explora el papel de la soltura espacial como variable independiente en los sistemas sociales . Se propone desarrollar una teoría independiente el espacio y proporción. Para lograrlo, se aplica una técnica regida por el ambiente constructivo. El significado pone en noción la visibilidad y movimiento, discutiendo que es obvio que no se puede ni de ver ni del mover a través de espacio sólido, sino a través del espacio abierto. Usando estas herramientas, se define una variable espacial que permite prescribir al peatón y los modelos de vehículos del movimiento. Este es un análisis realizado por Zaha Hadid que muestra la propuesta del centro de estudio paralelamente a la relación del espacio en armazón.

Las primeras dos etapas del plan maestro propuesto por Zaha M. Hadid Architects que sigue las recomendaciones de Space Syntax, ampliando el armazón de Chicago y localizando el edificio más cercano al corazón del sitio (calle 35) ” (Hadid 1997).

Este es el plan de sitio propuesto por Zaha Hadid que, en relación con el análisis de reunión del espacio, debemos ojear más de cerca para observar cómo ese lazo puede formar el edificio en sí.

Las diagonales generales son suficientemente parciales y no siguen un lazo claro con otros edificios. Esas diagonales se entrecruzan hacia el nuevo centro y pasan, no solo por rutas no-existentes, sino que se transforman en líneas compuestas que golpean edificios en una esquina y siguen derecho. Éste no es ciertamente el trabajo del reunión del espacio. Por otra parte si se enfoca más hacia un plan de la planta, las líneas expresadas por ambos gráficos no son constantes.

Plan de Planta Baja. Las diagonales se cruzan y se alinean entre si.

En cuanto al edificio mismo, parece contrario a la condición urbana de la extensión plana que el Rem Koolhaas, cambio dirigido para la oferta de Hadid, sigue una idea de la actividad vertical plegable.

Existe una idea de las actividades que ocurren dentro del edificio, como en las que el elemento forma una ruta larga que se desplaza sobre sí mismo, como se observa en la figura de la izquierda.

Esta es una idea similar a las diagonales, que solo funciona a nivel conceptual. La acumulación vertical de actividades, conectada solamente por las escaleras, obstruye las posibilidades de que se crucen los estudiantes con la gente que pasa por el edificio. Por otra parte, si se fija la atención en lo que ocurre en el edificio, se fortalece la jerarquía académica clásica sin importar cuántos cuartos tienen paredes movibles o cuántos vectores se podrían alinear de nuevo en diversa dimensión de una variable.

CENTRO DE ARTE CONTEMPORÁNEO

Historia del proyecto

Para este proyecto, doce semifinalistas vinieron desde Asia, Europa, Suramérica y de los Estados Unidos después de ser seleccionados entre 97 participantes, para diseñar el nuevo Centro de Arte Contemporáneo. El 7 y 9 de noviembre de 1997 fueron reunidos y se desarrolló la competencia. Tres semifinalistas fueron elegidos mediante entrevistas el 14 y 15 de noviembre.

El 15 diciembre del 1997, el jurado, conducido por Richard Rosenthal, dio a conocer los tres finalistas: Zaha Hadid de Londres, Daniel Libeskind de Berlín y de Bernard Tschumi de Nueva York.

El miércoles 4 de marzo de 1998, director Charles Desmarais y los miembros del jurado anunciaron orgullosos la propuesta de Zaha Hadid para diseñar y construir el nuevo CAC nuevo en la esquina de Avenidas Sixth y Walnut .

DESCRIPCIÓN DEL PROYECTO

El primer Centro de Arte Contemporáneo fue fundado en Cincinnati en 1939 como una de las primeras instituciones en los Estados Unidos dedicados al arte visual contemporáneo. El nuevo edificio mantiene una proporción entre los espacios para las exposiciones temporales, instalaciones de sitio específicas, y actividades, pero no para una colección permanente.

El área para la construcción es de 11.000 pies cuadrados, de los cuales se derivan 74.000 pies cuadrados construidos. El costo del fue $30 millones de dólares, incluyendo interés y interés incluyendo y equipo de construcción.

Características importantes del diseño

La alfombra urbana:

Para trazar en el movimiento peatonal de los alrededores y crear un sentido del espacio público dinámico, la entrada, el pasillo, y la entrada al sistema de la circulación se ordenan como una “Alfombra Urbana. ” Comenzando en la esquina del cruce entre las Avenidas Sixth y Walnut , las curvas del terreno suben lentamente hacia la entrada en el edificio, levantándose en una pared posterior. Esta “Alfombra Urbana” lleva a una rampa suspendida del entresuelo con la longitud completa del pasillo. La rampa del entrepiso continúa levantándose hasta que penetra la pared posterior, en la otra cara y se transforma en descenso hacia la entrada de las galerías.

El Rompecabezas:

En contraste con la alfombra urbana, las superficies onduladas y las galerías se expresan como si hubieran sido talladas de un solo bloque del concreto y flotaran en un espacio cerrado del pasillo. Los espacios de la exposición varían de tamaño y dimensión, para acomodar el gran nivel de escalas y de materiales del centro. Las perspectivas en las galerías del sistema de la circulación son espontáneas, pues la escalera-rampa zigzaguea hacia arriba a través de una raja estrecha en la parte posterior del edificio. Estas galerías se enlazan como un rompecabezas tridimensional compuesto de sólidos y de vacíos.

Exteriores:

La situación de la esquina del edificio condujo al desarrollo de dos diferentes, pero complementarias, fachadas. La fachada del sur, a lo largo de la Sexta Ave., forma una piel ondulada, translúcida, a través de la cual se aprecia el interior del centro del edificio. Los espacios de la galería se filtran a través de los bordes de esta fachada, ofreciendo vistazos del arte en la exposición. Las oficinas están ordenadas a lo largo de esta cara para proporcionar a entornos de trabajo y vistas de la ciudad que le dan cierta animación humana a la ciudad. La fachada del este, se expresa como relevación escultural. Proporciona a una impresión de los interiores de la galería.

CENTRO DE ARTE CONTEMPORANEO

El lunes el 23 de febrero de 1999, el Ministerio Italiano de Bellas Artes anunció que han concedido el diseño y construcción para el nuevo Centro de Arte Contemporáneos en Roma a la arquitecta Zaha M. Hadid. Hadid participó en una competencia internacional de diseño, en la que su proyecto resultó ser elegido entre el de Rem Koolhaas (su profesor y guía preliminares), Steven Holl y Eduardo Suoto de Moura.

CONCEPTO ARQUITECTÓNICO Y ESTRATEGIA URBANA: DESARROLLANDO LAS POSIBILIDADES

El Centro de Arte Contemporáneo trata la cuestión del contexto urbano manteniendo inexactitud hacia los patrones anteriores de regimiento. Esto no es una prueba en el pastiche topológico. Por el contrario, continúa el conjunto urbano bajo una textura contra los bloques de un nivel más alto en las caras circundantes del sitio. De esta manera, el centro es más como un injerto urbano; una segunda piel para el sitio. El edificio entero tiene un carácter urbano: prefigurado sobre una ruta direccional, el centro abarca ambos modelos del movimiento deseados, contenidos dentro y afuera del mismo. Este vector define la ruta primaria de la entrada en el edificio.

Interrelacionando la circulación con el contexto urbano, el edificio comparte una dimensión pública con la ciudad, disfrazando elementos como caminos y el espacio abierto.

Además del lazo circulatorio, los elementos arquitectónicos también geométricos se alinean con las rejillas urbanas que ensamblan en el sitio. Así, al derivar su orientación del contexto, se asimila más lejos a las condiciones específicas del sitio.

ESPACIO vs. OBJETO

El campus se ordena en base ángulos direccionales y la distribución de puntas de densidad es más bien dominante. Esto es indicativo del carácter del centro en su totalidad: poroso, inmersito, un espacio del campo. Una masa deducida es precipitada por vectores de la circulación. Tanto el extremo como la circulación interna siguen la deriva total de la geometría. Los elementos verticales y oblicuos de la circulación se establecen en áreas de confluencia, interferencia y turbulencia.

El movimiento del objeto al campo es crítico de entender por el lazo que tuvo que la proporción en el contenido de las ilustraciones. Al diseñar a una institución que mira tan hacia la delantera, para enfrentar el material y discrepancia conceptual, se evoca a la práctica del arte desde los últimos años 60 y a la necesidad cambiar.

Paredes o no paredes: HACIA espacialidad contemporánea

Contra la clasificación tradicional de la pared en el museo, como la armadura vertical elegida e inalterable para la visualización de pinturas, o delinear espacios discretos de construir orden y narrativa lineal , proponemos una crítica con su libertad para que la pared se convierta en el motor versátil del ubicación de los efectos de la exposición. En sus diferentes tipos y capas - pared sólida, pantalla de la proyección, lona, ventanales hacia la ciudad - la pared es el dispositivo espacio que hace el espacio. Ejecutándose extensivamente a través del sitio, curvamente a través de las líneas de hacia adentro y hacia fuera. El espacio urbano es coincidente con el espacio de la galería, intercambiando el pabilón y la corte en una oscilación continua bajo misma operación.

Otras desviaciones de la composición clásica de la pared emergen como incidentes donde las paredes se convierten en suelo, o tuercen para convertirse en techo, o se anulan para convertirse en una ventana grande que mira hacia fuera. Constantemente, cambiando la dimensión y la geometría, se adaptan a cualquier papel necesario. La invención de organización y espacial se trata así de simultáneamente en medio de un ritmo encontrado en la generación de eco de las paredes a las costillas estructurales en el techo que también filtran la luz en intensidades que varían en la Galería.

DRAMA del proyecto

Los elementos teóricos de los espacios de la galería se adaptan a las particularidades de la exposición. El desvío a través del centro es una trayectoria con ambientes variados, espectáculos filtrados y luminosidad distinguida. Mientras que ofrece una nueva libertad en la gama de colores; lo que invertidamente asimila y recompone la experiencia del espectador como diálogo liberado con artefacto y el ambiente.

Intenciones del diseño

Este es un combinado proyecto entre el espacio interior dinámico comprimido con el espacio exterior estático. El restaurante tiene ruptura en dos mundos extraños de carácter opuesto - fuego e hielo. Sin embargo, este dos diversos tipos de sensaciones se integran uno junto al otro en dos niveles separados.

La planta expresa la noción del espacio como carácter del hielo, que es inspirado por el edificio estacional del hielo de Sapporo, que recalcó la creación de colores y del uso de materiales. Los colores grises frescos del cristal y metales son los elementos primarios en este nivel. El vector de cristal gris fresco largo se diseña especialmente como fragmentos de un sostenido en cadena como el hielo a través del espacio.

El nivel de la primera planta expresa la noción del espacio como carácter del fuego. El diseño se acentúa en los colores brillantes como tonos diferentes de rojos, amarillos, rozados, anaranjados, que se integran con un negro oscuro. Éstos colores crean una sensación de que se calientan para el propósito de relajación. Los muebles movibles se diseñan para permitir la proporción flexible de los tipos de asiento.

La expresión dinámica del espacio es explorar el arreglo interesante de los elementos estructurales elegantes y la dimensión de una variable espectacular entre los muebles a través del espacio entero. Todos los elementos dentro del espacio se diseñan en dimensión de una variable geométrica interesante, que también crean un sentido de la continuidad en el espacio.

Caracter de hielo.

El espacio de la planta se diseña en colores grises frescos para inspirar la noción del espacio como carácter del ” hielo “, con el uso del cristal y el metal a materializó la sensación de frío. La característica más espectacular del espacio es un elemento espiral del techo que colocó sobre el compartimiento de hielo de un horno del fuego en rojo, amarillo y naranja brillantes. Había sido descrita como ” bóveda como un tornado ardiente que repartía en un recipiente de presión. ”

CARÁCTER DE FUEGO

La expresión dinámica del espacio, explorada por la composición interesante de los elementos estructurales de forma espectacular de muebles. La inspiración del ” fuego ” como el carácter del espacio es creado por el uso de colores brillantes tales como rojo, amarillo, rosado y naranja en el fondo negro, resultando una sensación de ” se calienta “. El elemento enorme, elegante que reduce radicalmente en el espacio, acto del techo tiene gusto del ” fuego ” que flota en el espacio. Los muebles son movibles y se diseñan especialmente para que la gente procure la creación del arreglo del espacio del asiento. Los muebles se diseñan en una forma geométrica muy interesante.

Estacion de Bomberos Vitra (Alemania, 1994)

Esta fue su primera obra de diseño internacional. El diseño demuestra su técnica de usar polígonos mezclados con estructuras triangulares, la reducción radical a través del espacio y crea un sentido del movimiento. Las láminas o cuñas del concreto que forman paredes y la inclinación del techo en nuevas direcciones dan un fuerte sentido al dinamismo en espacios. El estilo fragmentario trata las necesidades de los habitantes del edificio, permitiendo de diversas funciones del mismo y que se adapte a las características que necesita el consumidor.

El parque de bomberos marca el extremo de la calle principal en el estado de Vitra. El edificio fue diseñado no como una estructura aislada, sino como una extensión de la esquina a la zona del paisaje. Absorbe el modelo del paisaje y lo desarrolla más lejos.

Una de sus características es que expresa un movimiento congelado; formula la tensión de estar en la alarma, y el potencial de estallar en la acción en todo momento.

Edificio de Habitacional IBA (Berlín, Alemania, 1987-1993)

El diseño del mismo comprometió ambos frentes del edificio. Primero, contra la destreza de arreglos del IBA y segundo, contra las normas de edificios de alojamiento social moderno que contradice las instrucciones de planes abiertos.

Las líneas de la dirección del IBA habían pedido progresos de cinco pisos. En un área de Kreuzberg donde los edificios eran de diversos tipos y homogeneidad de etapas fue procesado desde el principio. Así interpretamos el promedio exigido de cinco pisos con la oferta de una tablilla de tres pisos largos acabados por una torre de ocho.

Por debajo de la tablilla con habitaciones unificadas se localiza un almacén, mientas que en la parte baja de la cima está un jardín para cubrir el patio de los niños. La torre contiene tres apartamentos en forma de cuña por piso.

Mind Zone, Millennium Dome

Zaha Hadid se ha caracterizado por diseñar, siempre con circunstancias en su contra, volúmenes que resaltan en su alrededor. El Millennium Dome, uno de sus más recientes proyectos, se puede apreciar una nueva tendencia en la arquitectura.

If one (Weil Rhein, Alemania)

El LF uno, es una de las últimas obras maestras de Zaha Hadid en la colaboración con los arquitectos Mayer Bährle para la demostración del jardín del estado en Weil Rhein, Alemania. El edificio, fue terminado en 1999, se construye fuera del cristal y del concreto. Es un edificio maravillosamente expresivo, emergiendo del paisaje circundante. 

Fuente: Arquba.com